Dal 15 al 21 marzo 2021, Hypercritic ha promosso la sua seconda Maratona poetica, The Sound of Poetry. Personalità del mondo artistico e culturale hanno letto testi da 30 Paesi in 15 tra lingue e dialetti. L’evento si può vedere su Instagram, Twitter, Facebook e Youtube.
Soffermarsi sui testi, leggendoli, significa focalizzarsi sul potere della parola nella canzone, una delle forme più popolari e antiche di poesia.

Quando Bob Dyan ha ricevuto il premio Nobel per la letteratura nel 2016, la reazione più comune è stata la sorpresa. Cosa c’entra un cantante con la letteratura? Si chiesero in molti, compreso lo stesso Dylan. Il premio gli è stato assegnato “per aver creato nuove espressioni poetiche all’interno della grande tradizione della canzone americana”. Per la prima volta, divenne esplicito che esiste un forte legame tra poesia e musica. Non solo queste due arti si intrecciano, ma condividono lo stesso nucleo. Per concludere la sua Nobel Lecture, Dylan ha citato l’incipit dell’Odissea, dove Omero usa un verbo specifico per invocare la Musa:

Canta in me, Musa, e attraverso di me racconta la storia di quell’uomo abile in tutti i modi di contendere, il vagabondo, tormentato per anni e anni.

Homer, Odyssey

Durante il suo discorso, Dylan ha elencato molte opere letterarie che hanno influenzato il suo percorso artistico. Tra queste, Robinson Crusoe, Moby Dick, Tutto tranquillo sul fronte occidentale. Ha spiegato le caratteristiche di ogni testo e come ha influenzato il suo modo di scrivere canzoni. 

Dylan non è l’unico musicista che è stato ispirato da romanzieri o poeti. L’impatto della poesia sull’industria musicale è sempre stato presente e significativo. Risale alle opere liriche e continua nell’era contemporanea, senza distinzioni geografiche. 

L’Odissea di Omero e Florence + The Machine: il viaggio di un eroe

Chiunque cerchi prove pratiche sulla vitalità dell’opera di Omero nella cultura contemporanea le troverebbe nel mercato editoriale. I romanzi mitologici di Madeline Miller, Il canto di Achille e Circe, scritti tra il 2011 e il 2018, sono balzati in cima alle classifiche di vendita in tutto il mondo negli ultimi due anni. Ma i romanzi sono solo la prova più forte di questa vitalità. 

Da Archaic Smile (1999) in poi, la poetessa americana A. E. Stallings ha dedicato la sua arte alla riscoperta delle figure mitologiche. La sua poesia confessionale, come la prosa di Miller, ha al suo centro personaggi che non avevano una voce indipendente nell’opera di Omero. Ma gli archetipi della poesia omerica trascendono i limiti dei generi letterari.

Nel 2016, il regista Vincent Haycock ha dato vita a un cortometraggio chiamato The Odyssey. Era la traslitterazione visiva del terzo album di Florence + The Machine How Big, How Blue, How Beautiful.

Questo cortometraggio in nove capitoli si ispira a più di un’opera letteraria. Sia Florence Welch, frontwoman della band indie rock inglese, che Haycock, hanno concepito il film come legato al Purgatorio di Dante. I capitoli come strati, il viaggio come via per la redenzione. Ma, a ben guardare, alcuni video dell’Odissea si adattano meglio all’atmosfera infernale della Commedia di Dante. Conflitti, violenza, un incidente d’auto, un naufragio: tutto si fonde con il caos in questa storia straziante. Alla fine, l’Odissea riflette il lieto fine di entrambi i viaggi omerici e danteschi. L’ordine iniziale è ristabilito: il protagonista sopravvive al caos, ai conflitti e ai demoni e può tornare alla vita. 

La via d’uscita dell’Odissea di Omero è la vendetta. Odisseo, tornato a Itaca dopo vent’anni, uccide i pretendenti che volevano usurpare il suo ruolo. Agli ideali di Welch però questa soluzione sembra superata e inutile.

Un viaggio femminile e interiore

Tutto nella mitologia greca è guidato dalla forza superiore della Fede, a cui gli stessi dei sono sottoposti. Così, anche l’incredibile e continuo procrastinare il ritorno di Odisseo a Itaca è dovuto a una volontà superiore. Inoltre, Poseidone punisce Odisseo con tempeste e naufragi per aver accecato suo figlio Polifemo. Questa forza è assente nell’Odissea di Welch. 

Le lotte della protagonista femminile sono dovute alle trappole e ai sentimenti dell’ego. Il viaggio stesso è interiore e psicologico invece che esterno e avventuroso. Nell’economia del film, la tempesta rappresenta il potenziale caotico del disordine in amore, nella vita privata. La nave che naufraga nel quarto capitolo, per esempio, è la metafora di una relazione il cui destino è la distruzione. Mentre Odisseo riceve dall’esterno fortune e disgrazie, Florence come personaggio è padrona dei propri disastri.

La protagonista del film L’Odissea non si identifica solo con il viaggiatore che lotta per tornare a casa (metaforicamente, ritrovandosi nel caos). Nel primo capitolo, What Kind Of Man, è senza dubbio più vicina all’archetipo di Penelope. È la donna che è stata lasciata “in un angolo crudele”, devota a un amante assente. Da questo punto di vista, la canzone mette in discussione i ruoli tradizionali degli amanti nella storia. Gli uomini possono essere stati quelli che vagano e le donne quelli che aspettano. Ma, suggerisce Welch, l’onore e il valore di un uomo dovrebbero essere giudicati sulla base della sua capacità di amare invece che su quella di uccidere e comandare. A giudicare da questa prospettiva, gli eterni assenti e i traditori come Ulisse non sarebbero gli eroi che la tradizione ci ha detto che erano.

E con un bacio
hai ispirato un fuoco di devozione 
che dura da venti anni
Che tipo di uomo ama così?

Florence + The Machine, What Kind Of Man

L’Odissea propone un altro tipo di mondo. Spiega la lotta per credere in un nuovo sistema di valori, rappresentato principalmente dal capitolo cinque, Regina della Pace. Un sistema femminile in cui la pace prevale sulla guerra, la riconciliazione sulla distanza, il perdono sull’orgoglio.

Le poesie di Serrat e Machado: nell’ignoto l’arte rimane

Dedicado a Antonio Machado, poeta fu il secondo album spagnolo del cantautore spagnolo Joan Manuel Serrat. Fino all’anno della pubblicazione dell’album, il 1969, Serrat aveva solo scritto e registrato album in catalano, la lingua co-ufficiale della Catalogna, la comunità autonoma di cui il cantante è originario. 

Non è l’unico cantante spagnolo che ha trasformato poesie in canzoni. Per esempio, l’LP Paco Ibáñez Vol.1 del 1964 del valenciano Paco Ibáñez conteneva poesie scritte da Federico García Lorca e Luís de Góngora. Nel caso di entrambi i cantanti, i dischi aiutarono la diffusione delle poesie scritte dai diversi poeti. Le canzoni sono spesso utilizzate come strumenti per l’apprendimento scolastico e sono incluse in antologie. 

Joan Manuel Serrat, tuttavia, non si è limitato a comporre la musica e a cantare le poesie di un poeta. In DAAMP, alternava canzoni composte dai versi di un poema con brani che contenevano i versi di Antonio Machado e i suoi, come En Coulliure, una canzone totalmente scritta da lui stesso che dà valore aggiunto all’omaggio del poeta. 

Né profeta né martire
Antonio voleva essere.
E involontariamente è stato tutto questo.

Non è un caso che la prima canzone sia Cantares, che incorpora tre strofe di Machado e tre strofe di Serrat. Le tre strofe di Machado appartengono a una sezione del libro Campos de Castilla (Terre di Castiglia), che si chiama Proverbios y Cantares (Proverbi e canti). La sezione evidenzia aspetti importanti della poetica di Machado. L’importanza della tradizione popolare, il topos della vita come percorso. E, soprattutto, la ricerca dell’essenza delle cose semplici. 

Inoltre, Machado scrive proverbi e canti utilizzando le forme metriche tipiche di questi generi popolari.  Tra gli altri, romance e copla, che facilitano il processo di memorizzazione e di canto grazie alla rima di assonanza nei versi pari e all’uso di versi ottosillabi. Per questo, trasformare i proverbi in canzoni sembra una progressione coerente e in qualche modo naturale del lavoro di Machado. 

Tutto passa e tutto resta, ma il nostro destino è passare, passare facendo sentieri, sentieri sul mare.

Due artisti per lo stesso cammino

Serrat non scelse Antonio Machado solo per la bellezza e la delicatezza dei suoi versi. Infatti, scelse anche di trasformare le sue poesie in canzoni per celebrare la figura di un intellettuale che sostenne i valori democratici e le idee progressiste durante tutta la sua vita. Prima, durante la crisi del regno di Alfonso XIII e la successiva Seconda Repubblica (1931- 1936). Dopo, appoggiando i repubblicani durante la guerra civile (1936-1939), che lo portò all’esilio a Coulliure, in Francia, nel 1939, dove morì. 

Serrat sentiva sicuramente qualche affinità con questo poeta andaluso. Il cantautore catalano visse molti anni della sua vita durante la dittatura di Francisco Franco che fu il risultato della guerra civile. Il suo antifranchismo e il suo catalanismo (la difesa dell’identità e della cultura catalana che furono represse durante la dittatura) gli crearono difficoltà. Le sue canzoni furono spesso censurate e lui andò persino in esilio in Messico nel 1974. Dovette aspettare la morte di Franco, nel 1975, per poter tornare in patria. 

Alla luce di tutto questo, Serrat deve aver pensato che la poesia di Machado fosse ancora molto contemporanea. In particolare, la poesia Españolito (Piccolo spagnolo), che è inclusa nell’album con lo stesso titolo.

Piccolo spagnolo
appena venuto al mondo,
che Dio ti conservi.
Uno di questi due spagnoli
ti gelerà il cuore.

Dedicato ad Antonio Machado, poeta, rappresenta l’opera d’arte di due artisti, Machado e Serrat, che hanno mantenuto una certezza comune durante la loro vita: poiché il cammino che ci aspetta è sconosciuto, è necessario continuare a rispondere alla vita golpe a golpe, verso a verso (“colpo per colpo, verso per verso“), come scrive Serrat alla fine di Cantares. Questo è quello che hanno fatto entrambi: difendere la bellezza e la giustizia attraverso l’arte.

Antologia De André e Spoon River: un discorso umano 

È il 1958. Il giovane cantautore italiano Fabrizio De André ha 18 anni quando inizia a leggere l’Antologia di Spoon River. La raccolta poetica di Edgar Lee Masters del 1915 diventa immediatamente uno specchio per lui. Nei suoi personaggi, De André trova qualcosa di se stesso. Masters ambienta le sue storie nel piccolo villaggio fittizio di Spoon River. Più precisamente, in un cimitero sulla collina. 

Ogni poesia è un epitaffio, dove un ex residente del villaggio guarda indietro alla sua vita ed esprime i suoi sentimenti su ciò che gli è successo, e cosa ha imparato da esso. 

Più tardi nella sua carriera, De André recupera la sua copia di Spoon River. Poi, insieme al produttore discografico Sergio Bardotti inizia a dare forma al suo concept album: 

Non al denaro, non all’amore, né al cielo. De André sceglie nove poesie dalla raccolta di poesie di Masters e rimodella i loro personaggi in una percezione più contemporanea. 

Trova affascinanti i diversi approcci alla vita e alla morte. Nella vita, le persone sono costrette ad essere false, con gli altri e con se stesse, a vivere tranquillamente. Invece la morte arriva con franchezza, perché non c’è niente da perdere, niente in cui sperare.

Invidia e scienza

In un’intervista con Fernanda Pivano – traduttrice italiana di Masters – spiega che ci sono due temi principali nell’album: l’invidia e la scienza.     

Per quanto riguarda l’invidia, direi che è il sentimento umano in cui la competitività è al massimo, il tentativo di ogni individuo di paragonarsi agli altri, di imitarli o addirittura di superarli per possedere ciò che non possiede (e pensa che gli altri lo facciano). Per quanto riguarda la scienza, è un prodotto del progresso, che purtroppo è nelle mani del potere che crea invidia e, secondo me, la scienza non è ancora riuscita a risolvere i problemi esistenziali. 

Fabrizio De André, 1971

Per renderli il più possibile universali, De André sceglie i personaggi di Masters ma ne perde il nome, congelandoli in una categoria più generica: un pazzo, un giudice, un chimico e così via. Le loro vite si sono svolte nella morsa dell’invidia, che hanno cercato di risolvere senza un risultato realmente appagante. Un giudice, per esempio, ispirato dalla poesia Selah Lively, racconta la storia di un nano che è stato vittima di insulti e insinuazioni. Il suo risentimento diventa un carburante per i suoi studi, e decide di diventare un giudice per vendicarsi di quelli che lo hanno preso in giro. Ma De André non lo ritrae come un modello: è la prova che la crudeltà porta solo ad altra crudeltà. 

D’altra parte, ci sono personaggi che risolvono positivamente la morsa dell’invidia: Francis Turner, che diventa Un malato di cuore, passa tutta la sua vita a provare risentimento per i compagni sani, che possono correre e giocare come vogliono. Poi, trova una donna che ama, e durante il loro primo bacio muore perché non può sopportare l’eccitazione.

Da ragazzo
non potevo correre o giocare.
Da uomo potevo solo sorseggiare la tazza,
non bere
perché la scarlattina ha lasciato il mio cuore malato.
Eppure giaccio qui calmato da un segreto
che solo Maria conosce:
C’è un giardino di acacie,
alberi di Catalpa, e pergole dolci di viti
Lì in quel pomeriggio di giugno al fianco di Maria
Baciandola con l’anima sulle labbra,
improvvisamente prese il volo.

Francis Turner, Edgar Lee Masters

Sia Masters che De André sono d’accordo nel dire che chi esprime amore trionfa nella vita. Essere aperti, generosi e disponibili verso la vita significa interrompere il cerchio della brutalità. E guardare alla vita conoscendone la bellezza e il valore.